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 [museum] ordrupgaard
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2009/06/18 06:06
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The extension, the work of architect Zaha Hadid. It seems to be called 'the extension' because I suppose it is just the extended part of Ordrupgaard art museum found in 1918 in a Copenhagen suburb. I was told it is a snail-shaped extension. It looks like a dolphin head to me, though. It is designed to add galleries for special exhibitions. I was told there are artworks of Danish and French 19th- and 20th-century realist and naturalist including Degas, Gaugauin, Manet and Renoir in the museum. I don't know much about the architect but I like this work a lot.
자하 하디드의 작품, The extension. 이것은 생각컨데 1918년 코펜하겐 교외에서 세워진 Ordrupgaard 아트뮤지엄의 신축으로 연장된 부분이기 때문에 The extension이라고 불리는 것 같다. 이 건축물의 모양이 달팽이 모양이라는데, 내 눈에는 돌고래 머리처럼 보인다. 이 The extension는 특별전시를 위한 갤러리들을 위한 것이라고 한다. 드가, 고갱, 마네 그리고 르느와르를 포함한 19, 20세기의 프랑스, 덴마크 realist들과 naturalist들의 작품들이 전시되어 있다고 한다. 자하 하디드를 잘 알지는 못하지만 이 건축물 마음에 든다.
@ ordrupgaard in december 2008
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[museum] louisiana museum of modern art
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2009/05/20 19:38
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This museum is located directly on the shore of Oresund and at the 30 minutes distance by car from Copenhagen. It has a wide range of modern art works from World War II up to now, including works by Andy Warhol, Alberto Giacometti, Henri Moore, and Pablo Picasso. Our local tour guide Mr. Park recommended this place because of its architecture. At the begining, there was a villa for a rich man in the place. Interestingly, the name of the museum derives from the owner of the property. He names the villa after his three wives, each with the name of Louise. I was told that Wilhelm Wohlert and Jorgen Bo, who designed the museum, spent a few months walkig around the property before deciding how a new construction would best fit into the landscape (source: wikipedia). What wonderful architects!!! Spending times along with something to feeling it is what designers should learn these days. The first picture shows a rest place with a beautiful seaside view at the museum. It is funny there is the spring board in the place even though nobody jumps into the sea on the board. Perhaps, people who take a rest here might be diving into the sea. The other picture shows a place where videos are projected. Visitors can take a break in the room for a while, lying on Fatboy. This museum seems to aim not to show artifacts but to make visitors feel relaxed. Lovely museum!
Oresund 해변에 바로 붙어있는 이 뮤지엄은 코펜하겐에서 차로 30분 정도의 거리에 위치해있다. 2차대전부터 오늘날까지의 다양한 현대 예술작품들을 소장하고 있다. 그 중에는 Andy Warhol, Alberto Giacometti, Henri Moore, Pablo Picasso의 작품들도 있다. 우리의 현지가이드 박선생은 이 뮤지엄의 건축때문에 이 장소를 추천했다. 처음에 이 장소는 어느 부유한 이의 빌라였다고 한다. 흥미롭게도, 이 뮤지엄 이름은 사실상 그 아저씨로 부터 지어졌다. 부유하니 만큼 3명의 아내를 두었는데, 그녀들 이름에 모두 Louise가 있었고 그 이름을 따서 그 빌라를 Louisiana라고 불렀다고 한다. 이 뮤지엄의 건축가인 Wilhelm Wohlert와 Jorgen Bo는 새 건축물이 이 아름다운 경관에 어떻게 최고로 어울리게 할 수 있을지 결정하기 전에 여기에서 몇달을 머물며 거닐었다고 한다 (출처: wikipedia). 멋진 아저씨들. 그 어떤 것을 느끼기 위해 그 어떤 것과 함께 시간을 보내는 것. 이는 오늘 날의 디자이너들이 배워야할 점이다. 위의 첫번째 사진은 뮤지엄내 아름다운 해안 경관을 가진 곳에 위치한 관람객을 위한 쉼터을 보여주고 있다. 실제로 작동(?)되는 Spring board는 아니지만 그런 장소에 이게 있으니 재미있다. 아마도 이곳에서 휴식을 취하는 사람들은 마음 속으로 나마 바다로 다이빙하고 있을꺼다. 그 아래 사진은 비디오가 상영되고 있는 공간이다. 관람객들은 Fatboy라는 사랑스러운 쿠션 위에 누워 상영물을 보며 잠시나마 휴식을 할 수 있다. 이 뮤지엄은 예술이라는 인공물을 보여주기 보다는 관람객들에게 휴식을 주는 것에 목적을 두고 있는 것 같다. 사랑스러운 뮤지엄임에 틀림없다.
@ louisiana museum in december 2008
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[museum] droog design
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2008/11/07 21:23
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It might be not right to call this flagship store as a museum. But I want to call it Droog design museum because there are all the things related to Droog design. Fortunately, the admission fee is free: it's a retail shop, indeed. I just wondered what differences there are between design shops and design museums: you can buy displayed things in a shop while you can't buy them in a museum. Is it right? Anyway, I think it is worth visiting the museum to anyone who visits Amsterdam. It's total different experience to directly see and touch (unfortunately touching is not allowed but you can do it stealthily) compared with seeing them in the book. That is as valuable as smoking marihuana or eating magic mashroom there. Just go! You can find open hours in the above picture. I would be very disappointed if you just see and leave. Buy anything to support poor designers: they accept credit card and in addition you can get some tax back.
드록디자인의 본점을 뮤지엄이라고 부르는 것에 딴지를 걸고 싶은 사람이 있을꺼다. 내 맘이다. 그곳에는 거의 모든 드록디자인 제품들이 있기때문에 드록디자인뮤지엄이라고 부르고 싶다. 다행히, 입장료 없다. 실은 가게이기 때문에. 순간 디자인샵과 디자인뮤지엄 사이의 차이점이 궁금해진다. 아마도 샵에서는 전시된 제품을 살 수 있지만, 뮤지엄에서 그럴 수 없다. 맞나? 여튼 암스텔담에 갈 일이 있다면 가볼만 하다. 책에서 보는 거랑 직접 보면서 만져보는 것은 완전히 다른 경험이다 (불행히도 만지는 것은 안되지만 몰래 만져보면 된다). 암스텔담에서 대마초 피고 매직머쉬룸 먹는 것 만큼 가치있다. 가봐라. 오픈시간은 위 사진에 나와있다. 신용카드도 되고 세금환급도 되니 디자인계 발전을 위해 보지만 말고 좀 사줘라.
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[museum] sieboldhuis
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2008/11/03 20:50
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By accident, I saw the Japanese museum on the way to the Leiden central station. I entered the museum and paid a large sum of 4 euro (student discount) because of my curiosity about what collection they have and how they see Japan. There were a variety of things ranged from Japanese fish hooks, books, and stuffed specimens to porcelains and a miniature of the traditional Japanese house in the museum. It looked like a warehouse to store all the old stuff from Japan. Since the Netherlands had started to trade with Japan, they seemed to bring all the things from Japan. It was very impressive that there is a Japanese museum in the Netherlands, which indicates how interesting Dutch people have had in Japanese culture rather than any other Asian cultures. On the other hand, I was wondering why European people have been enthusiastic about Japanese culture only although there are many similarities between Korean, Chinese and Japanese cultures. There would be many reasons to explain the phenomenon. What I suppose is, however, that Japanese people seem to know how to promote their culture to European people well from long time ago. For instance, when our Korean government sent fan dance or samulnori groups abroad, Japanese one funded the renovation of museum such as the Louvre and the restoration of cultural heritage in other countries. It's a shame that this would be just one reason among many others to explain the European enthusiasm for Japanese culture.
라이덴 중앙역으로 향하다 우연히 일본 뮤지엄을 발견했다. 어떤 소장품들을 가지고 있길래 그리고 네덜란드 사람들이 어떻게 일본을 보는지 궁금해서, 거금 4유로(학생할인)를 주고 들어가 보았다. 온갖 잡다한 것이 다 있었는데, 예를 들면 근대 일본의 낚시바늘들, 책들, 동물 박제들에서 부터 도자기, 지도, 일본 전통주택 미니어처 등등. 한편으론 일본의 잡동사니들을 보관하고 있는 창고처럼 느껴졌다. 아마도 네덜란드가 일본과 처음 교역을 시작했을 때부터, 일본으로 부터 가져온 것들이리라. 무엇보다 네더란드에 뮤지엄 많다지만 일본에 관한 뮤지엄이 있다는 것은 아주 인상적이었다. 이는 한편으로 네덜란드 사람들이 다른 아시아 문화들과는 달리 얼마나 일본 문화에 관심이 있는지를 보여주고 있다. 다른 한편으로는 한국, 중국, 일본 사이에 많은 문화적 유사점들이 있는데도 왜 유럽 사람들은 유독 일본 문화에만 열광적인지 궁금했다. 이것을 설명할 수 있는 많은 이유들이 있을 것 같은데. 내가 추측하기에 일본 사람들은 오래 전부터 유럽사람들에게 자신들의 문화를 전파하는 방법을 잘 알고 있었던 것 같다. 예를 들면, 우리 한국 정부가 부채춤 무용단과 사물놀이패를 외국에 보낼 때, 일본 정부는 루브르같은 뮤지엄의 레노베이션과 다른 나라들의 문화 유산들의 복원에 금전적 지원을 했었다. 일본문화에 대한 유럽사람들의 열광을 설명하는 다른 많은 이유들 중에 이것이 고작 하나의 이유라는 것이 안타까울 뿐이다.
Address
Rapenburg 19
2311 GE Leiden
The Netherlands
Opening Hours
Tuesday - Sunday: 10.00 - 17.00 hours.
Closed on: Mondays, January 1, October 3, December 25. |
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piet mondriaan 1872-1944
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2008/07/13 18:35
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Piet Mondriaan is well known as a painter whose paintings consist of vertical and horizontal lines using primary colours. The visit to the Gemeente museum at The Hague broadened this typical description about him, where most of his artworks are being especially exhibited. This exhibition focuses not only the abstract compositions, but also on the landscapes. These early works are totally different from his later paintings. But there are similarities. Both reflect his sense of rhythm and order and his desire by unity and balance. As a great person who had a lot of influence on De stijl movement and Bauhaus, I'd like to say about his painting in brief.
피에뜨 몬드리안은 원색을 사용한 가로 세로선들로 이루어진 구성을 그린 화가로 잘 알려져 있다. 헤이그 시립 미술관을 구경하면서 이렇게 단순한 그에 대한 설명은 부족함을 느낀다. 이 특별전은 그의 추상구성과 풍경화를 주로 다루고 있는데, 그의 초기 작품들(풍경화들)은 후기의 것들과 상당한 차이를 보이고 있다. 하지만 통일과 밸런스에 대한 열망과 리듬과 질서의 센스에서 유사점들을 발견할 수가 있다. 데스틸 운동과 바우하우스에 지대한 영향을 미친 그의 그림에 대해서 전체적으로 간략히 둘러보자.
Evening landscapes 1905-1907
Mondriaan's landscapes demonstrate a clear preference for certain motifs: windmills, groups of trees and waterside views. He preferred to paint landscape and houses seen in grey, dark weather or in very strong sunlight because the atmosphere conceals the details and accentuates the main outlines of things.
몬드리안의 풍경화는 어떤 일정한 모티브들이 주로 보여지는데, 이는 풍차, 나무, 그리고 물가 풍경들이다. 그는 회색, 어두운 날씨 혹은 아주 강한 햇살 아래에서의 풍경과 집들을 주로 그렸는데, 이는 몬드리안 자신이 상세한 디테일보다 사물의 외곽선이나 실루엣에 관심을 두었기 때문이라고 한다.
Domburg period 1908
His first year at Domburg in the Netherlands certainly accelerated his development as an artist. Impressed by the light of Zeeland, where Domburg is located, and encouraged by Jan Toorop, he began to break colour down into bright, contrasting dabs of paint. At this time, Toorop taught him Pointillism which had been a technique of neo-Impressionist and at the same time influenced Van Gogh. In fact, Gogh's strong brushing strokes are a type that the Pointillism was developed. Mondriaan applied this Pointillism to making things abstract in his symbolism and later cubism. The left one shows how Toorop painted using Pointillism and the right one Mondiraan's pointillism in his painting.
네덜란드 남부 해변에 위치한 돔버흐에서 일년을 보내면서 그의 예술가로서의 개발에 박차를 가하였다. 돔버흐가 위치한 제일란드주의 빛에 인상받고 얀 투롭에 의해서 지지를 받으면서, 그는 색을 밝고 대비적인 터치로 분해하기 시작했다. 이 때에 투롭은 몬드리안에게 신인상주의의 기법이며 동시에 고흐의 강한 붓터치에 영향을 미친 점묘법을 가르킨다. 몬드리안은 이 점묘법을 상징주의와 이후의 큐비즘에서의 사물의 추상화에 응용하게 된다. 왼쪽의 그림은 돔버흐에서 투롭이 사용한 점묘법의 그림을 보여주고 있으며 오른쪽의 그림은 몬드리안 그림에서의 점묘법을 보여주고 있다.
Symbolism 1908
With the rudiments of Pointillism, radiant colours and the isolation of the motifs lend these paintings a spiritual significance. 'Evening: Red Tree (the first one of two above)' is one of the best-known works of this period. The combination of the intense blue of the night sky and the bright red of the tree seems to have been inspired by Goethe's 'theory of colours', where Goethe provides a general exposition of how colour is perceived in a variety of circumstances, and considers Isaac Newton's observations to be special cases. He was also interested in Theosophy lie many other artists at his time. This also inspired him to adopt a more spiritualised use of colour and line. These influences can be seen in his other painting, windmill in sunlight (see the other one above).
상징주의 시대에서는, 점묘법을 기본으로 찬란한 색깔의 사용과 모티브(대상)의 분리는 그의 그림들에게 영적인 의미를 부여한다. '저녁: 빨간 나무'(위 첫번째 사진)는 이 시기의 가장 잘 알려진 그의 작품들 중의 하나다. 밤하늘의 강한 파랑과 나무의 밝은 빨강의 조합은 괴테의 '색의 이론'에 의해서 영감을 받았다고 한다: 괴테는 그 책에서 주변의 변화들에 색이 어떻게 인식되는지를 설명하고, 이삭 뉴턴의 색에 대한 과학적 관찰을 특별한 케이스로 보았다. 몬드리안 또한 그 당시의 다른 예술가들 처럼 신지학(신의 지식이 직접적인 직관에 의해서 얻어질 수 있다는 등등의 이야기)에 관심이 있었고, 그 관심은 색과 선의 더욱 영적화된 사용을 부추겼다. '햇살 아래의 풍차' (두번째 그림)에서도 이런 영적화된 색과 선의 사용이 보여지고 있다.
Cubism 1911-1917
Between 1911 and 1917, he made a number of decisive moves in the direction of abstraction. He was encouraged to do so by his first day in Paris, from early 1912 to the outbreak of World War I. in August 1914. Witnessing the Cubism of Picasso, he realised how motifs could be broken down into basic geometrical shapes. Inspired by their example, he switched to a restrained palette and broke up his lines into short segments. However, he went even further than Picasso in reducing the three-dimensional effect of his paintings. At Paris, it seems there were many now-famous painters such as Picasso, Mondrian, and Modigliani, whom Picasso felt a rival, around the outbreak of World war I. It wouldn't be a coincidence that they were there at that time: there would be many hidden stories about them. Some of them can be seen in the movie, 'Modigliani'.
1911년과 1917년 사이에, 몬드리안은 추상화에 있어 많은 결정적인 변화들을 보인다. 1912년 초, 파리를 방문한 첫날부터 1차대전 발발까지 그런 변화들에 동기가 되는 많은 자극들을 받았다. 1914년 8월 피카소의 큐비즘을 목격하면서, 몬드리안은 어떻게 모티브들(주제 혹은 대상들)이 기본적인 기하학적 형태로 해체될 수 있는지를 깨닫게된다. 그러한 것들에 의해 영감을 받으면서, 부드러운 색조를 주로 사용하게 되고, 선들을 짧은 조각으로 해체하기 시작했다. 하지만, 몬드리안은 그림들의 3차원 효과를 줄이면서 피카소보다 더 대상들을 추상화시켜나갔다. 1차 대전이 일어날 무렵, 파리에는 피카소, 몬드리안, 그리고 피카소가 라이블로 느꼈던 모들리아니를 비롯한 많은 현대에 와서야 유명해진 화가들이 함께 있었다. 그들이 같은 시대에 같은 장소에 있었다는 것은 우연인 아닐 수 있다: 아마도 그들에 대한 많은 숨겨진 이야기들이 있을 것 같다. 일부의 이야기들은 영화 '모딜리아니'에서 엿볼 수 있다.
Neo-Plasticism (known as De Stijl) 1918-1944
In 1919, he returned to Paris. He remained in touch with the De stijl group, which was founded in 1917 as a Dutch artistic movement. Around 1921, he produced his first compositions constructed purely of horizontal and vertical lines and planes, primary colours and the non-colours black, white and grey. These were meant to give visual impression to a harmony which also possessed a moral and social dimension: In the book, Odyssey of Aesthetics authored by a Korean aesthetician Jin, this is being described as 'visual pleasure only' without the appreciation of meanings in paintings as a characteristic of a contemporary art, instead of the pleasure to appreciate meanings hided in paintings. Even though he sticked to horizontal and vertical directions in a member of the De stijl group, he painted the colourful, driving compositions of unprecedented dynamism when he arrived in American in 1940: For instance, in the picture above you can see the canvas has a shape of rhombus, which is different from his previous horizontal and vertical directions. The painting is his last ever composition, 'Victory Boogie Woogie' dating from 1944.
1919년 몬드리안은 데스틸(네덜란드 예술운동의 하나로 1917년에 만들어짐)의 일원으로 남아있으면서 파리로 돌아왔다. 1921년쯤, 원색들과 무채색인 검정과 하얀, 회색들을 사용하면서 수평수직선들과 면들로 순수히 구성된 첫번째 구성작품들을 만들어낸다. 이러한 구성들은 윤리적, 사회적 차원에서 비롯된 조화에 시각적 감동을 주는 것이었다. 진중권의 책 '미학 오딧세이'에서 저자는 몬드리안의 구성작품들을, 회화에 숨겨진 의미를 이해함으로써 얻게되는 즐거움 대신, 현대 예술의 특징으로써 의미의 해석없이 단순한 시각적 즐거움을 주는 작품으로 묘사하고 있다. 몬드리안이 데스틸의 멤버로서 원색의 수직과 수평을 고수했을지라도, 이후 1940년 미국으로 건너가면서 이전에 찾아볼 수 없었던 칼라풀한 역동성의 구성들을 그리게 된다: 예를 들면, 위 사진에서 수평수직과는 다른 마름모 형태의 캔버스가 사용된 것을 볼 수 있다. 이 그림은 1944년 몬드리안의 마지막 구성작품 '승리 부기 우기(템포가 빠른 째즈)'다.
Leaving the museum, I felt nothing can be achieved without great experiments and efforts for that. To come up with a final painting, Mondriaan had to spend much more time studying forms, compostion and painting technique through experiments than the time to put colors on the canvas. It's also interesting that Mondiraan as well as Gogh began to paint in their 30's, which is unusual in our period. So, I cheer myself up: I can't be as talented as them but I am not too late to do something.
뮤지엄을 떠나며, 엄청난 실험들과 그것들을 위한 노력들 없이는 아무것도 이루어질 수 없다는 것을 느꼈다. 하나의 최종 작품을 만들기 위해, 몬드리안은 캔버스에 물감을 바르는 시간보다 휠씬 많은 시간들을 형태, 구도, 기법에 대한 실험들을 해야 했다. 또한 몬드리안 뿐만아니라 고흐도 그들 나이 30대에 본격적으로 그림을 시작했다. 지금 우리가 살고 있는 시대에는 일반적이지 않은... 여튼 스스로 위로해본다: 그들만큼 재능이 있진 않지만, 그 어떤 것을 하기에 그렇게 늦은 것은 아니라고.
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