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 a dream
netherlands |
2009/07/09 21:34
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It doesn't matter whether it can fly or not in actuality. I just like to see it because it reminds me of a dream in my childhood.
이 놈이 실제로 날 수 있는지 없는지는 그렇게 중요하지 않다. 그냥 이것을 보고 있으면 좋다. 내 어린 시절의 어떤 꿈을 떠올리게 하기에.
@ den haag gemeente museum in february 2009
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the power of an artwork
reflection |
2009/07/09 16:01
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This artwork at the museum seems to have nothing to do with a Korean culture who eat dogs as food. It appears to say about animal abuse. However, I wanna to tell this to whom eat dogs: it is summer... the time came again you can enjoy it. There is nothing I can blame for the fact we Korean ate dogs as food when we were very poor and were dying of hunger. But why are we still eating dogs in the period when we are suffering from obesity? You might say it's a matter of taste or it's our food culture. You're right. If you saw this rotating artwork on the site, some of you might agree with me.
뮤지엄의 이 예술작품은 개고기를 먹는 한국 문화와 관련이 없어 보인다. 이 설치미술은 동물학대에 대해 말하는 것 같다. 하지만 이 자리를 빌려 개를 드시는 분들에게 한마디: 여름입니다. 여러분들이 그것을 즐길 시기가 왔죠. 우리가 가난하고 배고파 죽고 있을 때 살기 위해 개를 음식으로 먹었던 것에 대해 비난할 것은 전혀 없습니다. 그치만, 비만으로 시름하고 있는 이 시대에.... 왜 우리는 아직 개를 식용으로 먹어야하는지... 그러겠지요, 취향의 문제다 우리의 음식문화다. 그럼 할 말이 없죠. 그래도 만약 여러분들이 동물들이 매달린채 돌고 있는 이 작품을 현장에서 본다면, 여러분 중에 몇몇은 저의 생각에 동의하실텐데...
@ den haag gemeente museum in february 2009
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guess what?
design story |
2009/07/06 14:13
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There is an information board to show what shouldn't be done in the museum at the entrance of Kroller-Muller museum. It is clearly understandable what the pictograms such as "don't use a mobile phone", "no smoking", "no backpack", "no umbrella" say. What about the two ones in the bottom, though? Can you easily figure out what they mean at a first glance? Not to me. I supposed the bottom left one was a pictogram that seemed to have something to do with windows", and the other said "don't touch other people in the museum". After all, I asked a security man about them at the corrodor. He kindly explained "the bottom left means "don't touch paintings" and the right one "don't touch sculptures". Is my cognitive ability wrong?
크뢸러 뭘러 뮤지엄의 입구에 뮤지엄 안에서 하지 말아야할 것들을 보여주는 정보판이 있다. "휴대폰 사용 금지", "금연", "배낭 반입 안됨", "우산 반입 안됨"과 같은 픽토그램들을 쉽게 이해가 된다. 하지만 맨아래 두 픽토그램들은? 첫눈에 그것들이 무엇을 의미하는지 쉽게 알아채셨는지? 나는 이해를 못했음. 맨 아래 왼쪽은 아마도 "창문과 관련된 것"처럼 생각했고, 그 오른쪽 것은 "다른 사람들과 닿지 않도록 조심"정도로 이해했다. 결국 뮤지엄 감시원(?)에게 아래 두개의 것이 무엇을 의미하는지 물어봤다. 그의 친절한 설명에 따르면, 아래 왼쪽은 "그림들을 만지지 마시오" 그리고 그 오른쪽 것은 "조각이나 동상을 만지지 마시오"란다. 나의 이해력이 이상한 건가?
@ kroller-muller museum in the netherlands in february 2009
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[museum] ordrupgaard
museum |
2009/06/18 06:06
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The extension, the work of architect Zaha Hadid. It seems to be called 'the extension' because I suppose it is just the extended part of Ordrupgaard art museum found in 1918 in a Copenhagen suburb. I was told it is a snail-shaped extension. It looks like a dolphin head to me, though. It is designed to add galleries for special exhibitions. I was told there are artworks of Danish and French 19th- and 20th-century realist and naturalist including Degas, Gaugauin, Manet and Renoir in the museum. I don't know much about the architect but I like this work a lot.
자하 하디드의 작품, The extension. 이것은 생각컨데 1918년 코펜하겐 교외에서 세워진 Ordrupgaard 아트뮤지엄의 신축으로 연장된 부분이기 때문에 The extension이라고 불리는 것 같다. 이 건축물의 모양이 달팽이 모양이라는데, 내 눈에는 돌고래 머리처럼 보인다. 이 The extension는 특별전시를 위한 갤러리들을 위한 것이라고 한다. 드가, 고갱, 마네 그리고 르느와르를 포함한 19, 20세기의 프랑스, 덴마크 realist들과 naturalist들의 작품들이 전시되어 있다고 한다. 자하 하디드를 잘 알지는 못하지만 이 건축물 마음에 든다.
@ ordrupgaard in december 2008
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[museum] louisiana museum of modern art
museum |
2009/05/20 19:38
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This museum is located directly on the shore of Oresund and at the 30 minutes distance by car from Copenhagen. It has a wide range of modern art works from World War II up to now, including works by Andy Warhol, Alberto Giacometti, Henri Moore, and Pablo Picasso. Our local tour guide Mr. Park recommended this place because of its architecture. At the begining, there was a villa for a rich man in the place. Interestingly, the name of the museum derives from the owner of the property. He names the villa after his three wives, each with the name of Louise. I was told that Wilhelm Wohlert and Jorgen Bo, who designed the museum, spent a few months walkig around the property before deciding how a new construction would best fit into the landscape (source: wikipedia). What wonderful architects!!! Spending times along with something to feeling it is what designers should learn these days. The first picture shows a rest place with a beautiful seaside view at the museum. It is funny there is the spring board in the place even though nobody jumps into the sea on the board. Perhaps, people who take a rest here might be diving into the sea. The other picture shows a place where videos are projected. Visitors can take a break in the room for a while, lying on Fatboy. This museum seems to aim not to show artifacts but to make visitors feel relaxed. Lovely museum!
Oresund 해변에 바로 붙어있는 이 뮤지엄은 코펜하겐에서 차로 30분 정도의 거리에 위치해있다. 2차대전부터 오늘날까지의 다양한 현대 예술작품들을 소장하고 있다. 그 중에는 Andy Warhol, Alberto Giacometti, Henri Moore, Pablo Picasso의 작품들도 있다. 우리의 현지가이드 박선생은 이 뮤지엄의 건축때문에 이 장소를 추천했다. 처음에 이 장소는 어느 부유한 이의 빌라였다고 한다. 흥미롭게도, 이 뮤지엄 이름은 사실상 그 아저씨로 부터 지어졌다. 부유하니 만큼 3명의 아내를 두었는데, 그녀들 이름에 모두 Louise가 있었고 그 이름을 따서 그 빌라를 Louisiana라고 불렀다고 한다. 이 뮤지엄의 건축가인 Wilhelm Wohlert와 Jorgen Bo는 새 건축물이 이 아름다운 경관에 어떻게 최고로 어울리게 할 수 있을지 결정하기 전에 여기에서 몇달을 머물며 거닐었다고 한다 (출처: wikipedia). 멋진 아저씨들. 그 어떤 것을 느끼기 위해 그 어떤 것과 함께 시간을 보내는 것. 이는 오늘 날의 디자이너들이 배워야할 점이다. 위의 첫번째 사진은 뮤지엄내 아름다운 해안 경관을 가진 곳에 위치한 관람객을 위한 쉼터을 보여주고 있다. 실제로 작동(?)되는 Spring board는 아니지만 그런 장소에 이게 있으니 재미있다. 아마도 이곳에서 휴식을 취하는 사람들은 마음 속으로 나마 바다로 다이빙하고 있을꺼다. 그 아래 사진은 비디오가 상영되고 있는 공간이다. 관람객들은 Fatboy라는 사랑스러운 쿠션 위에 누워 상영물을 보며 잠시나마 휴식을 할 수 있다. 이 뮤지엄은 예술이라는 인공물을 보여주기 보다는 관람객들에게 휴식을 주는 것에 목적을 두고 있는 것 같다. 사랑스러운 뮤지엄임에 틀림없다.
@ louisiana museum in december 2008
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[museum] droog design
museum |
2008/11/07 21:23
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It might be not right to call this flagship store as a museum. But I want to call it Droog design museum because there are all the things related to Droog design. Fortunately, the admission fee is free: it's a retail shop, indeed. I just wondered what differences there are between design shops and design museums: you can buy displayed things in a shop while you can't buy them in a museum. Is it right? Anyway, I think it is worth visiting the museum to anyone who visits Amsterdam. It's total different experience to directly see and touch (unfortunately touching is not allowed but you can do it stealthily) compared with seeing them in the book. That is as valuable as smoking marihuana or eating magic mashroom there. Just go! You can find open hours in the above picture. I would be very disappointed if you just see and leave. Buy anything to support poor designers: they accept credit card and in addition you can get some tax back.
드록디자인의 본점을 뮤지엄이라고 부르는 것에 딴지를 걸고 싶은 사람이 있을꺼다. 내 맘이다. 그곳에는 거의 모든 드록디자인 제품들이 있기때문에 드록디자인뮤지엄이라고 부르고 싶다. 다행히, 입장료 없다. 실은 가게이기 때문에. 순간 디자인샵과 디자인뮤지엄 사이의 차이점이 궁금해진다. 아마도 샵에서는 전시된 제품을 살 수 있지만, 뮤지엄에서 그럴 수 없다. 맞나? 여튼 암스텔담에 갈 일이 있다면 가볼만 하다. 책에서 보는 거랑 직접 보면서 만져보는 것은 완전히 다른 경험이다 (불행히도 만지는 것은 안되지만 몰래 만져보면 된다). 암스텔담에서 대마초 피고 매직머쉬룸 먹는 것 만큼 가치있다. 가봐라. 오픈시간은 위 사진에 나와있다. 신용카드도 되고 세금환급도 되니 디자인계 발전을 위해 보지만 말고 좀 사줘라.
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piet mondriaan 1872-1944
museum |
2008/07/13 18:35
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Piet Mondriaan is well known as a painter whose paintings consist of vertical and horizontal lines using primary colours. The visit to the Gemeente museum at The Hague broadened this typical description about him, where most of his artworks are being especially exhibited. This exhibition focuses not only the abstract compositions, but also on the landscapes. These early works are totally different from his later paintings. But there are similarities. Both reflect his sense of rhythm and order and his desire by unity and balance. As a great person who had a lot of influence on De stijl movement and Bauhaus, I'd like to say about his painting in brief.
피에뜨 몬드리안은 원색을 사용한 가로 세로선들로 이루어진 구성을 그린 화가로 잘 알려져 있다. 헤이그 시립 미술관을 구경하면서 이렇게 단순한 그에 대한 설명은 부족함을 느낀다. 이 특별전은 그의 추상구성과 풍경화를 주로 다루고 있는데, 그의 초기 작품들(풍경화들)은 후기의 것들과 상당한 차이를 보이고 있다. 하지만 통일과 밸런스에 대한 열망과 리듬과 질서의 센스에서 유사점들을 발견할 수가 있다. 데스틸 운동과 바우하우스에 지대한 영향을 미친 그의 그림에 대해서 전체적으로 간략히 둘러보자.
Evening landscapes 1905-1907
Mondriaan's landscapes demonstrate a clear preference for certain motifs: windmills, groups of trees and waterside views. He preferred to paint landscape and houses seen in grey, dark weather or in very strong sunlight because the atmosphere conceals the details and accentuates the main outlines of things.
몬드리안의 풍경화는 어떤 일정한 모티브들이 주로 보여지는데, 이는 풍차, 나무, 그리고 물가 풍경들이다. 그는 회색, 어두운 날씨 혹은 아주 강한 햇살 아래에서의 풍경과 집들을 주로 그렸는데, 이는 몬드리안 자신이 상세한 디테일보다 사물의 외곽선이나 실루엣에 관심을 두었기 때문이라고 한다.
Domburg period 1908
His first year at Domburg in the Netherlands certainly accelerated his development as an artist. Impressed by the light of Zeeland, where Domburg is located, and encouraged by Jan Toorop, he began to break colour down into bright, contrasting dabs of paint. At this time, Toorop taught him Pointillism which had been a technique of neo-Impressionist and at the same time influenced Van Gogh. In fact, Gogh's strong brushing strokes are a type that the Pointillism was developed. Mondriaan applied this Pointillism to making things abstract in his symbolism and later cubism. The left one shows how Toorop painted using Pointillism and the right one Mondiraan's pointillism in his painting.
네덜란드 남부 해변에 위치한 돔버흐에서 일년을 보내면서 그의 예술가로서의 개발에 박차를 가하였다. 돔버흐가 위치한 제일란드주의 빛에 인상받고 얀 투롭에 의해서 지지를 받으면서, 그는 색을 밝고 대비적인 터치로 분해하기 시작했다. 이 때에 투롭은 몬드리안에게 신인상주의의 기법이며 동시에 고흐의 강한 붓터치에 영향을 미친 점묘법을 가르킨다. 몬드리안은 이 점묘법을 상징주의와 이후의 큐비즘에서의 사물의 추상화에 응용하게 된다. 왼쪽의 그림은 돔버흐에서 투롭이 사용한 점묘법의 그림을 보여주고 있으며 오른쪽의 그림은 몬드리안 그림에서의 점묘법을 보여주고 있다.
Symbolism 1908
With the rudiments of Pointillism, radiant colours and the isolation of the motifs lend these paintings a spiritual significance. 'Evening: Red Tree (the first one of two above)' is one of the best-known works of this period. The combination of the intense blue of the night sky and the bright red of the tree seems to have been inspired by Goethe's 'theory of colours', where Goethe provides a general exposition of how colour is perceived in a variety of circumstances, and considers Isaac Newton's observations to be special cases. He was also interested in Theosophy lie many other artists at his time. This also inspired him to adopt a more spiritualised use of colour and line. These influences can be seen in his other painting, windmill in sunlight (see the other one above).
상징주의 시대에서는, 점묘법을 기본으로 찬란한 색깔의 사용과 모티브(대상)의 분리는 그의 그림들에게 영적인 의미를 부여한다. '저녁: 빨간 나무'(위 첫번째 사진)는 이 시기의 가장 잘 알려진 그의 작품들 중의 하나다. 밤하늘의 강한 파랑과 나무의 밝은 빨강의 조합은 괴테의 '색의 이론'에 의해서 영감을 받았다고 한다: 괴테는 그 책에서 주변의 변화들에 색이 어떻게 인식되는지를 설명하고, 이삭 뉴턴의 색에 대한 과학적 관찰을 특별한 케이스로 보았다. 몬드리안 또한 그 당시의 다른 예술가들 처럼 신지학(신의 지식이 직접적인 직관에 의해서 얻어질 수 있다는 등등의 이야기)에 관심이 있었고, 그 관심은 색과 선의 더욱 영적화된 사용을 부추겼다. '햇살 아래의 풍차' (두번째 그림)에서도 이런 영적화된 색과 선의 사용이 보여지고 있다.
Cubism 1911-1917
Between 1911 and 1917, he made a number of decisive moves in the direction of abstraction. He was encouraged to do so by his first day in Paris, from early 1912 to the outbreak of World War I. in August 1914. Witnessing the Cubism of Picasso, he realised how motifs could be broken down into basic geometrical shapes. Inspired by their example, he switched to a restrained palette and broke up his lines into short segments. However, he went even further than Picasso in reducing the three-dimensional effect of his paintings. At Paris, it seems there were many now-famous painters such as Picasso, Mondrian, and Modigliani, whom Picasso felt a rival, around the outbreak of World war I. It wouldn't be a coincidence that they were there at that time: there would be many hidden stories about them. Some of them can be seen in the movie, 'Modigliani'.
1911년과 1917년 사이에, 몬드리안은 추상화에 있어 많은 결정적인 변화들을 보인다. 1912년 초, 파리를 방문한 첫날부터 1차대전 발발까지 그런 변화들에 동기가 되는 많은 자극들을 받았다. 1914년 8월 피카소의 큐비즘을 목격하면서, 몬드리안은 어떻게 모티브들(주제 혹은 대상들)이 기본적인 기하학적 형태로 해체될 수 있는지를 깨닫게된다. 그러한 것들에 의해 영감을 받으면서, 부드러운 색조를 주로 사용하게 되고, 선들을 짧은 조각으로 해체하기 시작했다. 하지만, 몬드리안은 그림들의 3차원 효과를 줄이면서 피카소보다 더 대상들을 추상화시켜나갔다. 1차 대전이 일어날 무렵, 파리에는 피카소, 몬드리안, 그리고 피카소가 라이블로 느꼈던 모들리아니를 비롯한 많은 현대에 와서야 유명해진 화가들이 함께 있었다. 그들이 같은 시대에 같은 장소에 있었다는 것은 우연인 아닐 수 있다: 아마도 그들에 대한 많은 숨겨진 이야기들이 있을 것 같다. 일부의 이야기들은 영화 '모딜리아니'에서 엿볼 수 있다.
Neo-Plasticism (known as De Stijl) 1918-1944
In 1919, he returned to Paris. He remained in touch with the De stijl group, which was founded in 1917 as a Dutch artistic movement. Around 1921, he produced his first compositions constructed purely of horizontal and vertical lines and planes, primary colours and the non-colours black, white and grey. These were meant to give visual impression to a harmony which also possessed a moral and social dimension: In the book, Odyssey of Aesthetics authored by a Korean aesthetician Jin, this is being described as 'visual pleasure only' without the appreciation of meanings in paintings as a characteristic of a contemporary art, instead of the pleasure to appreciate meanings hided in paintings. Even though he sticked to horizontal and vertical directions in a member of the De stijl group, he painted the colourful, driving compositions of unprecedented dynamism when he arrived in American in 1940: For instance, in the picture above you can see the canvas has a shape of rhombus, which is different from his previous horizontal and vertical directions. The painting is his last ever composition, 'Victory Boogie Woogie' dating from 1944.
1919년 몬드리안은 데스틸(네덜란드 예술운동의 하나로 1917년에 만들어짐)의 일원으로 남아있으면서 파리로 돌아왔다. 1921년쯤, 원색들과 무채색인 검정과 하얀, 회색들을 사용하면서 수평수직선들과 면들로 순수히 구성된 첫번째 구성작품들을 만들어낸다. 이러한 구성들은 윤리적, 사회적 차원에서 비롯된 조화에 시각적 감동을 주는 것이었다. 진중권의 책 '미학 오딧세이'에서 저자는 몬드리안의 구성작품들을, 회화에 숨겨진 의미를 이해함으로써 얻게되는 즐거움 대신, 현대 예술의 특징으로써 의미의 해석없이 단순한 시각적 즐거움을 주는 작품으로 묘사하고 있다. 몬드리안이 데스틸의 멤버로서 원색의 수직과 수평을 고수했을지라도, 이후 1940년 미국으로 건너가면서 이전에 찾아볼 수 없었던 칼라풀한 역동성의 구성들을 그리게 된다: 예를 들면, 위 사진에서 수평수직과는 다른 마름모 형태의 캔버스가 사용된 것을 볼 수 있다. 이 그림은 1944년 몬드리안의 마지막 구성작품 '승리 부기 우기(템포가 빠른 째즈)'다.
Leaving the museum, I felt nothing can be achieved without great experiments and efforts for that. To come up with a final painting, Mondriaan had to spend much more time studying forms, compostion and painting technique through experiments than the time to put colors on the canvas. It's also interesting that Mondiraan as well as Gogh began to paint in their 30's, which is unusual in our period. So, I cheer myself up: I can't be as talented as them but I am not too late to do something.
뮤지엄을 떠나며, 엄청난 실험들과 그것들을 위한 노력들 없이는 아무것도 이루어질 수 없다는 것을 느꼈다. 하나의 최종 작품을 만들기 위해, 몬드리안은 캔버스에 물감을 바르는 시간보다 휠씬 많은 시간들을 형태, 구도, 기법에 대한 실험들을 해야 했다. 또한 몬드리안 뿐만아니라 고흐도 그들 나이 30대에 본격적으로 그림을 시작했다. 지금 우리가 살고 있는 시대에는 일반적이지 않은... 여튼 스스로 위로해본다: 그들만큼 재능이 있진 않지만, 그 어떤 것을 하기에 그렇게 늦은 것은 아니라고.
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europe design trip 2007: london 09
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2008/05/07 17:50
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Too famous Museum Tate Modern, which is part of group known as Tate with Tate Britain, Tate Liverpool, and Tate St Ives. I think this museum has a remarkable reputation because it is housed in the former power station by architect Herzog.
I didn't know the spetacular artificial sun works, designed by Olafur Eliasson, had been exhibited here until I went there.
너무 나도 유명한 테이트 모던 뮤지엄. 테이트 브리튼, 테이트 리버풀, 테이트 세인트 이브즈와 함께 테이트로 알려진 뮤지엄의 하나. 이 뮤지엄이 특별히 유명한 이유는 유명한 건축가 헤르조그에 의해 옛날 발전소 자리를 부수지 않고 보존하면서 그 안에 뮤지엄을 심었다는 것 때문이지 않을까. 올라퍼 엘리아선이 디자인한 장엄한 인공 태양 전시가 테이트 모던에서 있었다는 걸 이 곳에 와서야 알았다.
@ London in June 2007
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europe design trip 2007: london 08
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2008/04/28 15:43
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When I went to the design museum, a new exhibition of an architect Hadid was being organized. Owing to the preparation, we was able to enter the museum with free of charge. What I have seen was some artworks of Damien Hirst, who is famous for showing animals' sections in his works. Beside his works, there were nothing interesting but a rectangular shaped stool and a hand dryer designed by Dyson who has designed futuristic-looking vacuum cleaners. It worked much better than any other hand dryer at public toilets: the water on wet hands drops on the floor and sometimes on my shoes or clothes (it blows the water out) but this one naturally eats the water in his mouth. It is a good example to show how design research makes a thing better.
런던의 디자인 뮤지엄을 갔을 땐, 건축가 하디드의 전시를 준비 중이었다. 메인 전시가 준비 중인 관계로 우리는 무료로 뮤지엄에 입장할 수 있었다. 다른 작은 전시관에서는 damien hirst(실제 동물의 단면을 작품으로 만드는 것으로 유명한)의 일부 작품이 전시 중이었다. 사각형 모양의 변기 그리고 dyson이 디자인한 핸드드라이어를 제외하고는 흥미로운 것이 없었다. dyson의 핸드드라이어가 인상적이었던 이유는, 공중 화장실의 핸드드라이어가 위에서 아래로 바람을 불어 물기를 날리는 반면 (이 경우, 그 물기들은 주로 나의 신발이나 옷으로 튀곤 한다), dyson의 것은 지극히 중력을 자연스럽게 이용해서 물기를 이 놈이 다 먹어 버린다. 연구를 통한 디자인이 가치를 보여주는 사례다.
@ London in June 2007
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europe design trip 2007: london 02
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2008/03/02 23:19
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런던을 속으로 더 들어가기 전에, 빅토리아 알버트 뮤지엄에 대해서 이야기를 하고 넘어 가야할 것 같다. 영국의 국립 뮤지엄들은 무료 입장이라 매표소에서 장시간 줄서서 기다릴 필요가 없다. 만약 유료라면 너무 많은 관광객들로 인해 더 큰 혼잡을 초래하겠지만 (예를 들어, 암스텔담의 반고흐뮤지엄은 아침 일찍부터 줄이 길게 늘어서 있어 기다림으로 인한 피곤으로 관람이 시작 된다. 그나마 파리의 루브르 박물관은 너무도 많이 훔쳐와서 규모가 커지는 바람에 입구가 4군데라서 덜 혼잡하다).
RCA를 졸업하신 교수님 말씀이, 이 뮤지엄의 대부분의 걸작 collection들은 복제품이란다. 런던의 South Kensington에 이 세계 최대의 뮤지엄을 지은 이유는 젊은 예술가, 디자이너들에게 영감을 주기 위해서라고 한다. 세계적인 것 예술품 혹은 유물들(물론 대부분이 복제품이지만)을 곁에 두고 언제든지 구경하고 느끼며, 다른 문화를 간접적으로 경험하라고. 영국인들의 예술을 대한 투자와 노력을 잘 보여주는 단편이다. 이런 사회적 지원이 결국 유명한 디자이너, 음악가들을 많이 배출하는 원동력인 것 같다. 물론 영국인의 기질적인 것에서도 그 원인을 찾아볼 수 있지만. 부러울 따름이다. 그 곳의 한켠에는 한국관(음식점 이름같다)도 있는데 삼성에서 후원했다고 한다. 이왕하는 것 돈 좀 쓰지, 그 인간들 하는 것 맘에 드는게 좀처럼 없다. 뮤지엄을 떠나가 전에 가든에서의 커피 한잔 강추다. 내가 갔던 날은 비가 왔었지만, 운치가 있더라.
Before diving into the inside of London, I'd like to say about the Victoria and Albert museum. Visitors in national UK museums don't have to wait long in a line to buy entrance tickets because entrance to them has been free since 2001. If it was not free of charge, it would be much crowded with many tourists: for instance, viewing masterpieces in the Van Gogh museum begins with fatigue resulting from waiting long in a line even from early morning. The Louvre museum, however, seems to be less crowded because it has four entrances which were made as becoming big due to plundering too many things.
The most of famous masterpieces in the museum are reproductions according to the professor graduated from RCA. And he added that its main reason why it was founded in South Kensington is to give inspirations to young artistis, and designers. They can see and experience the world-famous masterpieces whenever they need or want even if the works aren't all original. This shows how passionately Englishmen invest art well. It has resulted in producing many artisits and singers of distinguished talent, I suppose. Of course, it is supposed that that comes from their inherent temper. How jealous! There was a corner for Korean culture but it looked crappy, which was supported by Samsung. If they had done anything at all, they should have done well. Stupid guys. I strongly recommend to have a time to enjoy drinking a cup of coffee in its garden before you leave. It was raining when I was there but it was pretty tasteful.
@ London in June 2007
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