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 amsterdam in june
netherlands |
2008/07/16 14:02
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Some scenery near the Van Gogh museum in June.
6월의 반고흐뮤지엄 부근의 풍경.
The reconstruction work is being done for the new stedjik museum near the Van Gogh museum at Amsterdam. For safety reason, the entrance at the site is strictly controlled by means of a secured in-and-out system, which evokes well-managed feelings different from Korean construction sites. In addition, the wall surrounding the site is painted with smiling faces of construction workers. They seems to try to show friendliness and their pride as workers to people with the paintings. By contrast, the walls are decorated with the scenes where kids and their parents are having fun together or flowers and butterflies are in South Korea, which has nothing to do with the construction work. They don't seem to have no interest in being proud of their construction work.
암스텔담의 반고흐뮤지엄 부근에는 새로 들어설 시립미술관을 위해 재건축작업이 진행 중이다. 안전상의 이유로, 공사현장의 출입문은 튼튼한 출입문시스템으로 관리되고 있다. 이는 한국의 공사현장에서 느껴지는 것과는 다르게, 잘 관리되고 있다는 느낌을 불러일으킨다. 또한 공사장을 둘러싸고 있는 담은 건설노동자들의 웃음띤 얼굴이 그려져 있다. 아마도 현장 노동자로써 사람들에게 푸근함과 동시에 자부심을 보여줄려는 것 같다. 대조적으로, 한국의 공사장 벽면들은 아이들과 부모님이 함께 노는 모습이나 꽃과 나비와 같은 장면들로 장식이 되어있다. 사실, 공사작업과는 관계없이. 아마도 한국의 공사관계자들은 그들의 일에 대한 자부심에는 별로 관심이 없나보다. |
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piet mondriaan 1872-1944
museum |
2008/07/13 18:35
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Piet Mondriaan is well known as a painter whose paintings consist of vertical and horizontal lines using primary colours. The visit to the Gemeente museum at The Hague broadened this typical description about him, where most of his artworks are being especially exhibited. This exhibition focuses not only the abstract compositions, but also on the landscapes. These early works are totally different from his later paintings. But there are similarities. Both reflect his sense of rhythm and order and his desire by unity and balance. As a great person who had a lot of influence on De stijl movement and Bauhaus, I'd like to say about his painting in brief.
피에뜨 몬드리안은 원색을 사용한 가로 세로선들로 이루어진 구성을 그린 화가로 잘 알려져 있다. 헤이그 시립 미술관을 구경하면서 이렇게 단순한 그에 대한 설명은 부족함을 느낀다. 이 특별전은 그의 추상구성과 풍경화를 주로 다루고 있는데, 그의 초기 작품들(풍경화들)은 후기의 것들과 상당한 차이를 보이고 있다. 하지만 통일과 밸런스에 대한 열망과 리듬과 질서의 센스에서 유사점들을 발견할 수가 있다. 데스틸 운동과 바우하우스에 지대한 영향을 미친 그의 그림에 대해서 전체적으로 간략히 둘러보자.
Evening landscapes 1905-1907
Mondriaan's landscapes demonstrate a clear preference for certain motifs: windmills, groups of trees and waterside views. He preferred to paint landscape and houses seen in grey, dark weather or in very strong sunlight because the atmosphere conceals the details and accentuates the main outlines of things.
몬드리안의 풍경화는 어떤 일정한 모티브들이 주로 보여지는데, 이는 풍차, 나무, 그리고 물가 풍경들이다. 그는 회색, 어두운 날씨 혹은 아주 강한 햇살 아래에서의 풍경과 집들을 주로 그렸는데, 이는 몬드리안 자신이 상세한 디테일보다 사물의 외곽선이나 실루엣에 관심을 두었기 때문이라고 한다.
Domburg period 1908
His first year at Domburg in the Netherlands certainly accelerated his development as an artist. Impressed by the light of Zeeland, where Domburg is located, and encouraged by Jan Toorop, he began to break colour down into bright, contrasting dabs of paint. At this time, Toorop taught him Pointillism which had been a technique of neo-Impressionist and at the same time influenced Van Gogh. In fact, Gogh's strong brushing strokes are a type that the Pointillism was developed. Mondriaan applied this Pointillism to making things abstract in his symbolism and later cubism. The left one shows how Toorop painted using Pointillism and the right one Mondiraan's pointillism in his painting.
네덜란드 남부 해변에 위치한 돔버흐에서 일년을 보내면서 그의 예술가로서의 개발에 박차를 가하였다. 돔버흐가 위치한 제일란드주의 빛에 인상받고 얀 투롭에 의해서 지지를 받으면서, 그는 색을 밝고 대비적인 터치로 분해하기 시작했다. 이 때에 투롭은 몬드리안에게 신인상주의의 기법이며 동시에 고흐의 강한 붓터치에 영향을 미친 점묘법을 가르킨다. 몬드리안은 이 점묘법을 상징주의와 이후의 큐비즘에서의 사물의 추상화에 응용하게 된다. 왼쪽의 그림은 돔버흐에서 투롭이 사용한 점묘법의 그림을 보여주고 있으며 오른쪽의 그림은 몬드리안 그림에서의 점묘법을 보여주고 있다.
Symbolism 1908
With the rudiments of Pointillism, radiant colours and the isolation of the motifs lend these paintings a spiritual significance. 'Evening: Red Tree (the first one of two above)' is one of the best-known works of this period. The combination of the intense blue of the night sky and the bright red of the tree seems to have been inspired by Goethe's 'theory of colours', where Goethe provides a general exposition of how colour is perceived in a variety of circumstances, and considers Isaac Newton's observations to be special cases. He was also interested in Theosophy lie many other artists at his time. This also inspired him to adopt a more spiritualised use of colour and line. These influences can be seen in his other painting, windmill in sunlight (see the other one above).
상징주의 시대에서는, 점묘법을 기본으로 찬란한 색깔의 사용과 모티브(대상)의 분리는 그의 그림들에게 영적인 의미를 부여한다. '저녁: 빨간 나무'(위 첫번째 사진)는 이 시기의 가장 잘 알려진 그의 작품들 중의 하나다. 밤하늘의 강한 파랑과 나무의 밝은 빨강의 조합은 괴테의 '색의 이론'에 의해서 영감을 받았다고 한다: 괴테는 그 책에서 주변의 변화들에 색이 어떻게 인식되는지를 설명하고, 이삭 뉴턴의 색에 대한 과학적 관찰을 특별한 케이스로 보았다. 몬드리안 또한 그 당시의 다른 예술가들 처럼 신지학(신의 지식이 직접적인 직관에 의해서 얻어질 수 있다는 등등의 이야기)에 관심이 있었고, 그 관심은 색과 선의 더욱 영적화된 사용을 부추겼다. '햇살 아래의 풍차' (두번째 그림)에서도 이런 영적화된 색과 선의 사용이 보여지고 있다.
Cubism 1911-1917
Between 1911 and 1917, he made a number of decisive moves in the direction of abstraction. He was encouraged to do so by his first day in Paris, from early 1912 to the outbreak of World War I. in August 1914. Witnessing the Cubism of Picasso, he realised how motifs could be broken down into basic geometrical shapes. Inspired by their example, he switched to a restrained palette and broke up his lines into short segments. However, he went even further than Picasso in reducing the three-dimensional effect of his paintings. At Paris, it seems there were many now-famous painters such as Picasso, Mondrian, and Modigliani, whom Picasso felt a rival, around the outbreak of World war I. It wouldn't be a coincidence that they were there at that time: there would be many hidden stories about them. Some of them can be seen in the movie, 'Modigliani'.
1911년과 1917년 사이에, 몬드리안은 추상화에 있어 많은 결정적인 변화들을 보인다. 1912년 초, 파리를 방문한 첫날부터 1차대전 발발까지 그런 변화들에 동기가 되는 많은 자극들을 받았다. 1914년 8월 피카소의 큐비즘을 목격하면서, 몬드리안은 어떻게 모티브들(주제 혹은 대상들)이 기본적인 기하학적 형태로 해체될 수 있는지를 깨닫게된다. 그러한 것들에 의해 영감을 받으면서, 부드러운 색조를 주로 사용하게 되고, 선들을 짧은 조각으로 해체하기 시작했다. 하지만, 몬드리안은 그림들의 3차원 효과를 줄이면서 피카소보다 더 대상들을 추상화시켜나갔다. 1차 대전이 일어날 무렵, 파리에는 피카소, 몬드리안, 그리고 피카소가 라이블로 느꼈던 모들리아니를 비롯한 많은 현대에 와서야 유명해진 화가들이 함께 있었다. 그들이 같은 시대에 같은 장소에 있었다는 것은 우연인 아닐 수 있다: 아마도 그들에 대한 많은 숨겨진 이야기들이 있을 것 같다. 일부의 이야기들은 영화 '모딜리아니'에서 엿볼 수 있다.
Neo-Plasticism (known as De Stijl) 1918-1944
In 1919, he returned to Paris. He remained in touch with the De stijl group, which was founded in 1917 as a Dutch artistic movement. Around 1921, he produced his first compositions constructed purely of horizontal and vertical lines and planes, primary colours and the non-colours black, white and grey. These were meant to give visual impression to a harmony which also possessed a moral and social dimension: In the book, Odyssey of Aesthetics authored by a Korean aesthetician Jin, this is being described as 'visual pleasure only' without the appreciation of meanings in paintings as a characteristic of a contemporary art, instead of the pleasure to appreciate meanings hided in paintings. Even though he sticked to horizontal and vertical directions in a member of the De stijl group, he painted the colourful, driving compositions of unprecedented dynamism when he arrived in American in 1940: For instance, in the picture above you can see the canvas has a shape of rhombus, which is different from his previous horizontal and vertical directions. The painting is his last ever composition, 'Victory Boogie Woogie' dating from 1944.
1919년 몬드리안은 데스틸(네덜란드 예술운동의 하나로 1917년에 만들어짐)의 일원으로 남아있으면서 파리로 돌아왔다. 1921년쯤, 원색들과 무채색인 검정과 하얀, 회색들을 사용하면서 수평수직선들과 면들로 순수히 구성된 첫번째 구성작품들을 만들어낸다. 이러한 구성들은 윤리적, 사회적 차원에서 비롯된 조화에 시각적 감동을 주는 것이었다. 진중권의 책 '미학 오딧세이'에서 저자는 몬드리안의 구성작품들을, 회화에 숨겨진 의미를 이해함으로써 얻게되는 즐거움 대신, 현대 예술의 특징으로써 의미의 해석없이 단순한 시각적 즐거움을 주는 작품으로 묘사하고 있다. 몬드리안이 데스틸의 멤버로서 원색의 수직과 수평을 고수했을지라도, 이후 1940년 미국으로 건너가면서 이전에 찾아볼 수 없었던 칼라풀한 역동성의 구성들을 그리게 된다: 예를 들면, 위 사진에서 수평수직과는 다른 마름모 형태의 캔버스가 사용된 것을 볼 수 있다. 이 그림은 1944년 몬드리안의 마지막 구성작품 '승리 부기 우기(템포가 빠른 째즈)'다.
Leaving the museum, I felt nothing can be achieved without great experiments and efforts for that. To come up with a final painting, Mondriaan had to spend much more time studying forms, compostion and painting technique through experiments than the time to put colors on the canvas. It's also interesting that Mondiraan as well as Gogh began to paint in their 30's, which is unusual in our period. So, I cheer myself up: I can't be as talented as them but I am not too late to do something.
뮤지엄을 떠나며, 엄청난 실험들과 그것들을 위한 노력들 없이는 아무것도 이루어질 수 없다는 것을 느꼈다. 하나의 최종 작품을 만들기 위해, 몬드리안은 캔버스에 물감을 바르는 시간보다 휠씬 많은 시간들을 형태, 구도, 기법에 대한 실험들을 해야 했다. 또한 몬드리안 뿐만아니라 고흐도 그들 나이 30대에 본격적으로 그림을 시작했다. 지금 우리가 살고 있는 시대에는 일반적이지 않은... 여튼 스스로 위로해본다: 그들만큼 재능이 있진 않지만, 그 어떤 것을 하기에 그렇게 늦은 것은 아니라고.
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krumau (krumlov in czech) : crescent of houses
reflection |
2008/03/03 13:30
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Egon Schiele 어머니의 고향, 체코의 Krumau의 도시 전경을 그린 Crescent of Houses (반달모양으로 늘어선 집들). 집들의 벌어진 모양에서 암시적인 성적인 힘을 전한다고 한다. 마을의 모양은 다리를 벌린 여자를, 오른쪽의 검은 강은 성기를 ... (아마도 어머니를 많이 그리워했나보다 어머니의 고향에 이런 영감이 떠오른 걸 보면, 마치 오이디푸스 컴플렉스를 가진 것 처럼). 성적인 암시를 그림 속에 많이 표현했던 클림트가 그의 후견인이었던 것을 생각하면, Schiele도 클림트의 영향을 많이 받은 듯 하다. 곡선과 왜곡을 많이 사용하여 20세기 표현주의 대표화가가 되었던 것도 그의 여체 그리고 섹스에 대한 집착과 애착에서 비롯된 것이 아닐까?
'Crescent of houses' on which Egon Schiele depicted the cityscape of his mother's birthplace, Krumau in the Czech Republic. It is supposed that its splayed arrangement of the houses carries an implicit sexual power: I guess the arrangement implies splayed-out woman's legs and the black river a penis on the upper right side (he might have missed his mom a lot in that he had the inspiration at his mother's birthplace like a guy who has an oedipus complex). Thinking that he was a protégé of Klimt who implied sexual things a lot in his paintings, he seems to have been affected by Klimt a lot. I suppose there was his deep attachment to woman's figure and sex behind the scene that he became a notable exponent of Expressionism in 20th century, using lots of curves and twists in his paintings.
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